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Lyre le temps – New Orleans Club, immersion dans l’univers des brass bands

Mado-Magazine — Tue, 06 Oct 2026 15:57:14 +0000

Concerts

Lyre le temps – New Orleans Club, immersion dans l’univers des brass bands

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Avec leur nouvel album New Orleans Club, Lyre le Temps a traversé l’Atlantique jusqu’au berceau du jazz. Mais derrière les cuivres, les brass bands et les nuits de La Nouvelle-Orléans, le groupe a surtout découvert ce qu’il n’était pas venu chercher : des rencontres, de l’improvisation et une autre manière de faire de la musique. Ludo est parti seul à La Nouvelle-Orléans, mais l’aventure s’est construite à quatre. Depuis la France, Quentin, Marco et Sam ont participé à la création de l’album, échangeant sur les morceaux, les musiciens rencontrés et les idées qui prenaient forme au fil du voyage. Sur place, le chanteur a poussé les portes des clubs, écouté les musiciens sur scène ou dans la rue, puis provoqué les échanges, avec l’envie de faire entrer leur univers dans celui de Lyre le Temps. De Glenn David Andrews à l’Original Pinettes Brass Band, New Orleans Club est ainsi devenu une histoire de croisements, prolongée par le documentaire New Orleans Club – To Join You in a Second Line. Avant leur passage à La Laiterie le 16 octobre prochain, les quatre membres de Lyre le Temps racontent à Mado les coulisses d’un album construit comme une rencontre entre deux mondes.

Quand Ludo a eu l’idée de partir à La Nouvelle-Orléans pour aller à la rencontre de nouveaux musiciens, cela impliquait aussi de mettre temporairement la scène et les tournées entre parenthèses. Comment avez-vous accueilli cette idée ?

Quentin : Très positivement. D’autant que l’idée de partir à La Nouvelle-Orléans existait déjà depuis plusieurs années. À l’origine, nous devions même partir tous ensemble. Puis le Covid a changé les choses, notamment avec l’argent perdu dans l’annulation des billets d’avion. À un moment, il a fallu faire un choix. On a finalement choisi assez spontanément de le laisser partir seul, en se disant qu’on pourrait ensuite construire la suite ensemble. On avait déjà beaucoup travaillé sur les morceaux avant son départ et on échangeait tous les deux ou trois jours, donc on est restés connectés.

Marco : Il y avait surtout une vraie confiance. Ludo a toujours été un super leader, il a toujours eu beaucoup d’idées — parfois assez folles — et il nous a déjà emmenés dans des directions auxquelles nous n’aurions pas forcément pensé. On savait qu’il saurait faire de cette aventure quelque chose qui nous ressemble.

Dans le documentaire, tu parles de ce voyage comme de l’un des plus gros risques que tu aies pris pour le groupe. Qu’est-ce qui te faisait le plus peur ?

Ludo : J’avais la liberté de partir, mais aussi la responsabilité de revenir avec quelque chose. Je savais que je pouvais me retrouver face à des musiciens qui se demanderaient : « Mais c’est qui, ce mec ? Qu’est-ce qu’il vient faire ici ? »

Tu n’es pas resté spectateur de cette ville : tu es allé chercher les musiciens directement dans les rues, les clubs, les concerts. Comment est-ce qu’on aborde un musicien qu’on vient d’entendre jouer à La Nouvelle-Orléans pour lui dire : « Bonjour, je voudrais faire un morceau avec vous » ?

Ludo : J’allais voir les concerts en entier. Je pouvais rester dans la rue pendant une heure ou une heure et demie, ou payer mon entrée dans un club et regarder le concert jusqu’au bout. Donc, avant même de leur parler, les artistes m’avaient identifié dans le public. Ils avaient vu que j’étais réceptif, que leur musique me plaisait. La discussion commençait souvent par : « Pourquoi tu es là ? » Et là, je leur expliquais ce que je faisais, je leur montrais des vidéos, je leur faisais écouter notre musique. Pour Glenn David Andrews, par exemple, je suis entré dans le club et je suis resté pendant deux heures quarante-cinq. À la fin, je suis allé le voir et il m’a dit : « Toi, tu fais de la musique, ça se voit. Tu fais quoi ? » Je lui ai montré ce qu’on faisait et il n’avait jamais entendu ça. C’est comme ça que les choses ont commencé.

Amener votre électroswing dans le berceau du jazz, ça provoquait quel genre de réactions ? Comment présentais-tu Lyre le Temps ?

Ludo : Au départ, les musiciens étaient forcément surpris. Même en France, ce n’est pas une musique populaire de prime abord : mélanger du jazz avec du rock, du hip-hop et de la pop, ce n’est pas quelque chose que tout le monde connaît. Je leur expliquais la démarche, je leur montrais des morceaux, des clips et surtout des vidéos de nos concerts. Le live était souvent la meilleure carte de visite : ils voyaient que c’était une musique énergique, que les gens dansaient et qu’il y avait une vraie dimension scénique. Et puis certains regardaient aussi nos chiffres, nos millions de vues sur YouTube ou nos abonnés sur Spotify. Pour les managers américains, ça comptait aussi. Ils voulaient savoir que leur artiste allait être écouté et que le projet serait réellement exploité.

Dans le documentaire, on voit que tu donnes beaucoup de liberté aux musiciens avec lesquels tu travailles : tu leur fais écouter le morceau au casque, sans forcément leur donner de consignes très précises, et tu les laisses improviser. C’était une volonté de votre part de chercher à capter ce qu’ils pouvaient apporter spontanément à votre musique, plutôt que de leur demander de rentrer dans quelque chose que vous aviez déjà imaginé ?

Quentin : Oui, complètement. C’était même au cœur de la démarche. On avait notre direction artistique, notre musique, nos morceaux, mais l’idée était justement de leur donner suffisamment d’espace pour qu’ils puissent y apporter leur propre personnalité.

Sam : Dans le procédé, Ludo leur laissait le champ libre total. En studio, certains découvraient même le morceau directement dans leur casque. Sur la première prise, ils n’avaient parfois pas la partition sous les yeux : ils découvraient la musique et improvisaient en même temps.

Ludo : Mais c’était trop fun de faire ça. Ils sont vraiment très forts : ils improvisent énormément et jouent tout le temps, des concerts de ce style, avec des arrangements différents. Ils ont cette expérience et cette spontanéité propres à la musique de La Nouvelle-Orléans. Les prendre sur le vif, c’était surtout chercher à faire ressortir leur personnalité. Tu es dans une forme d’urgence : « Voilà ce que tu entends, maintenant joue. » Je voulais capter ce qu’ils allaient faire sans leur laisser le temps de trop réfléchir ou de tout calculer. Et quand tu travailles avec des musiciens qui ont cette maîtrise technique et cette expérience, il se produit forcément des choses que tu n’avais pas prévues. Et c’est justement dans ces accidents-là qu’il y a quelque chose de passionnant.

Il y a eu un moment où tu t’es dit : « Là, il vient de faire basculer le morceau ailleurs que ce que j’avais imaginé » ?

Ludo : Tout le temps ! Et même eux étaient parfois surpris. C’est justement ce qui était intéressant. Il y avait notre musique, notre direction artistique, mais derrière, il fallait inventer. Certains ont fait des choses qu’on n’aurait jamais pu écrire en amont, ni nous, ni même eux. C’est cette surprise qui crée une transmission authentique. Tu ne sais pas exactement ce qui va sortir et, parfois, tu te retrouves avec quelque chose que tu n’aurais jamais imaginé.

Vous avez chacun votre propre rapport au rythme et au son. Est-ce que ce projet, nourri par les musiciens et la culture musicale de La Nouvelle-Orléans, a fait évoluer quelque chose dans votre manière de jouer, individuellement ?

Quentin : Pour moi qui suis DJ et qui fait du scratch c’était assez compliqué, parce que nous les DJ on fait toujours des choses assez simples et répétitives, et eux ils vont commencer une mélodie, de mon point de vue, un peu n’importe où (rires), je n’ai pas mes repères habituels, c’est compliqué pour moi de les suivre. C’était déconcertant, ça m’a forcé à m’améliorer, à progresser.

Sam : Il y a là-bas une manière de faire circuler le rythme qu’on ne retrouve nulle part ailleurs. Ce n’est ni vraiment binaire, ni ternaire : on parle de « trinaire ». Pour nous, Européens, c’est hyper difficile à reproduire. Ils ont apporté cette façon très authentique de faire vivre le rythme. Et ce qui est beau, c’est justement de devoir jouer avec ça, de le confronter à notre propre manière de faire de la musique et de juxtaposer ces deux univers différents.

Marco : C’est un vrai voyage musical, pas seulement pour les auditeurs, mais pour nous aussi en tant que musiciens. C’est une manière de partager une culture, de rentrer dans leur univers et de découvrir leur façon d’aborder la musique. Avec Sam, on avait étudié le jazz au Conservatoire, mais c’était un jazz assez conventionnel. Là, c’est complètement différent : c’est une musique populaire, profondément ancrée dans leur quotidien, avec une manière de sonner qui est assez incroyable. Ce qui est particulièrement identifiable, ce sont les parties de cuivres et la rythmique. Ils jouent cette musique très jeunes, parfois déjà au lycée, puis dans les orchestres des universités. Elle accompagne leur vie et fait partie de leur identité. À travers cet album, on essaie justement de comprendre cette culture, de s’en rapprocher et d’en faire quelque chose à notre manière.

Pendant ce temps, vous trois, comment avez-vous vécu le fait de voir une partie de votre futur album se construire à distance ?

Sam, Marco, Quentin : On était hyper curieux de voir comment le voyage se passait. Mais comme on avait régulièrement des nouvelles, on n’était pas complètement à l’écart non plus. On échangeait beaucoup, parfois tous les jours. Quand Ludo est revenu, il avait des centaines d’heures d’enregistrements et énormément de pistes. Il a fallu faire un énorme travail de tri. Il nous envoyait ensuite des versions, on les écoutait ensemble, on faisait des retours, il y avait des allers-retours et des mixages. On a aussi eu notre mot à dire dans les choix. Certaines parties nous plaisaient davantage que d’autres, ou on se disait qu’une prise fonctionnait mieux qu’une autre. L’album s’est donc vraiment construit à plusieurs.

Vous reprenez « When I Get Low, I Get High », un titre d’Ella Fitzgerald datant de 1936. Pourquoi avoir choisi de faire entrer ce morceau dans votre univers ?

Lyre le Temps : C’était important pour nous de respecter les traditions. Ella Fitzgerald représente une partie importante de cette histoire du jazz, et c’est une chanteuse qu’on aime particulièrement pour cette manière de mélanger jazz et soul. Le titre était aussi intéressant parce qu’il est connu. Ça permettait de présenter notre démarche aux musiciens de La Nouvelle-Orléans avec quelque chose qu’ils pouvaient identifier, tout en montrant ce qu’on pouvait faire : prendre un morceau ancien et lui donner une nouvelle direction artistique, dans notre univers.

Avec Glenn David Andrews, vous avez aussi rencontré une personnalité profondément liée à La Nouvelle-Orléans. Qu’est-ce qu’il vous a apporté que vous n’auriez pas pu trouver ailleurs ?

Marco : Il est né avec le trombone.

Ludo : Glenn, c’est vraiment quelqu’un de l’intérieur. Il est né dans cette culture, dans cette tradition musicale. Sa famille est liée à cette histoire depuis plusieurs générations. Là-bas, si tu es un musicien professionnel, tu as plus d’aura qu’un politicien. Et au-delà de la musique, c’est devenu un vrai copain. Au départ, il pouvait sembler assez distant, mais finalement, le morceau s’est très bien passé. Il a écouté notre musique, il est venu en studio et la collaboration s’est faite très naturellement. Pour le clip, il m’a même dit que si j’avais besoin de quelque chose, je pouvais venir chez lui quand je voulais. Il y avait une vraie confiance qui s’était installée.

Sur « Second Line », vous collaborez avec les Original Pinettes Brass Band, le seul brass band entièrement féminin de La Nouvelle-Orléans. Comment cette rencontre s’est-elle faite, et qu’est-ce qui vous a donné envie de travailler avec elles ?

Ludo : Quand je suis arrivé en studio, j’ai tout de suite été marqué par leur énergie. Elles ont une vraie puissance et surtout une manière très naturelle de porter cette musique. Elles sont complètement dans leur élément. Mais l’idée n’était surtout pas de leur demander simplement de venir jouer quelques parties de cuivres sur un morceau déjà terminé. On voulait vraiment construire quelque chose avec elles. On a d’ailleurs passé beaucoup de temps à discuter avant même les quatre heures de studio, pour que chacun puisse être représenté dans sa culture, dans ce qu’il est, mais aussi dans le texte, la musique, la répartition des parties et la direction artistique du morceau. Notre démarche n’était pas de venir prendre quelque chose à La Nouvelle-Orléans. On voulait créer quelque chose ensemble.

Les Pinettes ont dû, au fil de leur histoire, se faire une place dans un univers de brass bands longtemps très masculin. Est-ce que vous avez retrouvé quelque chose de cette histoire dans leur manière de jouer, leur énergie ou leur façon d’aborder la musique ?

Ludo : Oui. Déjà, de manière générale, j’avais constaté qu’il y avait beaucoup plus d’hommes que de femmes parmi les cuivres, que ce soit dans les concerts ou dans la rue. Leur présence apportait donc aussi quelque chose de particulier à l’album. Les Pinettes m’avaient surtout marqué par leur énergie et leur façon d’être complètement elles-mêmes dans cette musique. C’est aussi pour ça que la collaboration avait du sens : on ne voulait pas effacer ce qui faisait leur identité pour les faire entrer dans notre univers. Au contraire, on voulait que leur manière de jouer et leur culture soient pleinement présentes dans le morceau. Elles ont aussi représenté la culture de La Nouvelle-Orléans dans des événements très importants, notamment autour du Super Bowl qui s’est tenu dans la ville l’an dernier. Elles portent donc quelque chose de très fort de cette culture musicale.

« Second Line », c’est aussi bien plus qu’un titre : c’est une tradition profondément ancrée dans la culture de La Nouvelle-Orléans. Qu’est-ce que vous avez découvert de cette tradition en travaillant sur ce morceau ?

Ludo : La Second Line, c’est vraiment l’idée du collectif. Des musiciens défilent dans la rue et le public se joint à eux. Il n’y a pas forcément de séparation entre ceux qui jouent et ceux qui regardent : tu peux arriver avec un trombone, une bouteille, un harmonica, n’importe quel instrument, jouer avec les autres, puis repartir. C’est quelque chose de très présent dans la ville, dans les écoles, les universités, mais aussi dans les cérémonies et les enterrements. Même dans ces moments-là, la musique permet de faire sortir les émotions et de les partager. Et c’est probablement l’une des choses que j’aurais le plus envie de ramener de La Nouvelle-Orléans : cette capacité à se retrouver simplement pour partager un moment, avec une énergie très positive, sans se demander ce que les gens ont fait avant ou qui ils sont. Tu choisis juste les personnes avec qui tu as envie de passer ton dimanche, tu prends ton instrument et tu vas jouer dans la rue.

À La Nouvelle-Orléans, vous n’avez finalement pas seulement cherché des musiciens : vous avez cherché des rencontres. Est-ce que l’album aurait été le même si toutes les collaborations avaient été préparées avant le départ ?

Ludo : Complètement différent. Je pense qu’il y aurait eu beaucoup moins de surprises. Ce sont des pirates. J’avais préparé énormément de choses avant de partir, mais une fois sur place, peut-être 20 % seulement de ce que j’avais prévu s’est réellement passé comme prévu. Il y avait tout le temps de nouvelles rencontres, de nouvelles possibilités, des choses qui se débloquaient au dernier moment. Il y a même eu des musiciens avec lesquels ça n’a pas fonctionné, des collaborations qui ont été annulées ou qui n’ont finalement pas pu être exploitées. Et à l’inverse, il y a eu des rencontres complètement improbables : quelqu’un qui te dit qu’il connaît quelqu’un, qui trouve quelqu’un d’autre et, trente minutes plus tard, tu as un musicien avec un soubassophone gigantesque devant toi. C’est lunaire. Donc oui, l’album est vraiment né de cette ouverture.

L’album a donné naissance à un documentaire. À quel moment vous vous êtes dit que cette histoire méritait aussi d’être racontée en images ?

Ludo : À la base, ce n’est même pas moi qui ai eu l’idée. C’est Yorim Becker, un pote vidéaste qui m’a dit qu’il fallait documenter tout ça. On investissait beaucoup dans la musique, dans les voyages, dans les studios, et ce serait dommage qu’il n’en reste aucune trace. Mais ce qui m’intéressait surtout, c’était d’avoir un autre regard que le mien sur cette aventure. Moi, j’étais complètement dans mon rêve de gosse, à discuter avec des musiciens, à faire des sessions… J’étais forcément très impliqué. Le vidéaste, lui, vivait tout ça avec moi mais avec un autre regard. Il s’est intégré aux sessions, il a filmé le travail, les rencontres, les moments qui n’étaient pas forcément visibles dans les appels que je faisais au groupe. Et même moi, en voyant le documentaire, j’ai découvert certaines choses sur mon propre voyage.

Et pour vous trois qui étiez restés à distance, est-ce que le documentaire vous a permis de découvrir une autre facette de cette aventure ?

Les autres membres de Lyre le Temps : Oui, clairement. On avait les récits de Ludo, on se parlait très régulièrement, mais le documentaire est venu compléter toutes les pièces manquantes. On a découvert les endroits où il avait travaillé, les studios, les chambres des musiciens, les rencontres… C’est tout ce qu’on ne pouvait pas voir pendant les visios. Donc oui, ça nous a permis de voyager un peu avec lui après coup.

Pour les clips de New Orleans Club, vous auriez pu recréer cette ambiance ailleurs. Pourquoi avoir absolument voulu filmer sur place ?

Ludo : On voulait surtout que les images viennent réellement de là-bas. On aurait pu recréer une Nouvelle-Orléans ici, mais ça n’aurait pas eu le même sens. On a donc décidé de tourner directement sur place. Patricia Moscardo s’est occupée du repérage des lieux et Brice Hincker du tournage et du montage. On a réalisé trois clips en sept jours, notamment avec les Pinettes et Glenn. L’idée était vraiment de conserver l’authenticité du lieu. Les images de La Nouvelle-Orléans devaient venir de La Nouvelle-Orléans.

Vous avez enregistré avec des musiciens de La Nouvelle-Orléans. Aujourd’hui, trois cuivres ont rejoint Lyre le Temps sur scène. Pourquoi était-ce important de faire vivre cette rencontre aussi en concert ?

Lyre le Temps : C’était capital. Depuis plusieurs albums, il y a des cuivres dans notre musique, et cette fois, aller chercher cette couleur directement à La Nouvelle-Orléans avait forcément du sens. Il fallait donc pouvoir la faire vivre sur scène. On a aujourd’hui trois cuivres avec nous : Hippolite, que Ludo a rencontré à La Nouvelle-Orléans, ainsi que Noé et François. Hippolite avait justement cette capacité à faire le lien entre la musique de là-bas et notre univers européen, puisqu’il connaissait déjà notre musique. Et sur scène, ça change beaucoup de choses. Il y a plus de son, plus d’énergie, mais aussi des parties solistes qu’il faut partager. Ils réinterprètent également certains morceaux plus anciens qu’on joue depuis des années. Ça crée une nouvelle énergie et, finalement, de nouveaux « accidents » musicaux.

Tu rêvais de La Nouvelle-Orléans. Est-ce que la réalité a été à la hauteur du fantasme ?

Ludo : Je n’ai vraiment eu aucune déception. J’étais tellement engagé dans le projet et j’avais tellement envie que ça fonctionne que la réalité a même dépassé le rêve. Je suis d’abord parti une première fois en avril pour faire un repérage, notamment autour des studios, qui étaient un peu la pierre angulaire de l’opération. Je suis resté sept jours et je suis rentré avec des heures d’enregistrements pour vérifier que tout fonctionnait. Puis, lors du deuxième voyage, il y a eu des moments complètement dingues. Par exemple, il y avait un guitariste que je suivais sur Instagram depuis huit ou neuf ans. Huit heures seulement après avoir atterri, je me suis retrouvé face à lui, à discuter de la possibilité qu’il vienne en studio. Moi, j’espérais simplement pouvoir le rencontrer dans la semaine ! Là, le mythe était déjà validé. Le mythe a été respecté musicalement, humainement, dans la tolérance, on est quand même dans un état qui est très dans le sud et très raciste, la Louisiane c’est difficile, et la Nouvelle-Orléans c’est une bulle, c’est un ilot, extraordinaire de tolérance. Loin des clichés des États du Sud des États-Unis.

Quand tu es parti, tu savais ce que tu venais chercher. Mais qu’est-ce que La Nouvelle-Orléans t’a finalement donné que tu n’avais pas prévu ?

Ludo : Je partais pour faire de la musique et rencontrer des musiciens. Mais finalement, ce qui m’a le plus marqué, ce sont les rencontres humaines et cette capacité qu’ont les gens à créer quelque chose ensemble, très spontanément. La Nouvelle-Orléans, c’est un endroit où tu peux rencontrer quelqu’un qui connaît quelqu’un, qui connaît quelqu’un d’autre, et trente minutes plus tard, tu te retrouves avec un musicien que tu n’avais absolument pas prévu de rencontrer. Au départ, j’avais préparé énormément de choses : des horaires, des rendez-vous, un planning très précis. Mais là-bas, rien ne se passe vraiment comme prévu. J’ai très vite compris qu’il fallait accepter ça.

Interview réalisée par Emma Schneider le 5 octobre 2026. Lyre le Temps sera en concert à la Laiterie à Strasbourg le 16 octobre prochain.
Crédit photos : Grégory Massat

Lien vers la billetterie : https://billetterie.seetickets.fr/lyre-le-temps-la-laiterie-grande-salle-strasbourg-16-octobre-2026-css5-artefact-pg101-ri11627011.html

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CAESARIA « On voulait parler de tout notre bordel intérieur et en faire quelque chose qui puisse résonner chez tout le monde »

Mado-Magazine — Wed, 23 Sep 2026 10:58:00 +0000

Concerts, Rock

CAESARIA « On voulait parler de tout notre bordel intérieur et en faire quelque chose qui puisse résonner chez tout le monde »

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Après avoir fait danser les nuits, Caesaria semble aujourd’hui regarder vers le jour. Avec ce nouvel album, le groupe strasbourgeois ouvre une nouvelle page sans tourner celles qui précèdent : le rock, l’électronique, le mouvement et l’énergie collective sont toujours là, mais quelque chose s’est déplacé. Plus solaire, plus intime, parfois traversée de mélancolie, leur musique laisse entrer une autre lumière. Depuis vingt ans qu’ils se connaissent, les membres de Caesaria ont appris à composer ensemble, à se confronter, à se faire confiance et à transformer leurs expériences en matière musicale. Pour ce nouvel album, ils ont choisi d’aller plus loin dans l’intime, de parler de leurs histoires, de leurs joies, de leurs peines et de ce « bordel intérieur » qui nous appartient finalement un peu à tous. Enregistré notamment à Motorbass, lieu mythique de la musique électronique française, puis à Los Angeles avec le producteur Adam Greenspan, ce nouveau disque assume davantage ce qu’ils sont tout en conservant cette envie viscérale de faire bouger les corps. Car chez Caesaria, on peut avoir envie de pleurer en dansant. Et peut-être est-ce précisément là que le groupe trouve aujourd’hui son équilibre : dans cet endroit où l’intime rencontre le collectif, où la mélancolie devient mouvement et où vivre le présent ressemble autant à une fête qu’à une manière de reprendre la main sur le temps. À une semaine de leur retour sur la scène de La Laiterie à Strasbourg, nous avons rencontré le groupe pour parler de lumière, de désir, d’amitié, de musique et de cette nécessité de laisser une trace du présent.

Votre deuxième album était profondément marqué par la nuit, les clubs, l’énergie collective de la fête. Avec ce nouvel album, on a presque l’impression de passer de l’autre côté : de la nuit au jour, vers quelque chose de plus lumineux. Qu’est-ce que ce changement de lumière dit de l’endroit où vous en êtes aujourd’hui ?

Théo : C’est une bonne vision des choses. Au-delà même du titre Solar, on a voulu que cet album soit profondément lumineux, beau et solaire. Il marque un vrai tournant. On a beaucoup écrit sur des choses très intimes : nous, notre vécu, notre histoire, nos joies, nos peines, nos drames. On avait vraiment envie de parler de tout notre bordel intérieur et d’en faire quelque chose qui puisse résonner chez n’importe qui. Et puis on aime écrire des chansons qui peuvent avoir des thématiques fortes, puissantes, consistantes, mais sur des musiques plutôt solaires. Ce qu’on aime le plus ce sont les choses un peu mélancoliques, avec cette sensation d’avoir envie de pleurer en dansant ou en chantant. On est assez fiers de ce qu’on a réussi à faire sur ce doux parfum un peu amer entre le solaire et quelque chose de plus intime, de plus profond. Les deux se rejoignent.

Votre musique donne souvent envie de danser alors qu’elle ne traite pas forcément de thèmes très légers. Pour vous, danser est-ce une manière d’échapper au monde ou, au contraire, d’y être pleinement présent ?

Théo : C’est un peu les deux. On dit souvent qu’on fait du « club rock », donc un mélange entre la musique rock et la musique électronique. On a fondé le groupe autour de cette volonté-là, mais on ne voulait surtout pas faire de la musique uniquement au premier degré. Dans tout ce qu’on écrit, il n’y a rien de gratuit. On écrit sur des choses qui nous sont arrivées, sur notre vie. Donc ramener la danse dans le rock avec le club rock, tout en lui attachant des textes, du sens et des thématiques fortes, c’est ce qui nous intéresse le plus dans l’art et dans la musique. Pouvoir se lâcher, mais en comprenant ce qu’on est en train de faire.

Dans Solar, vous parlez du coup de foudre comme d’une force capable de tout mettre en mouvement. Le vocabulaire de la vitesse, de l’orbite et de l’espace revient beaucoup. Qu’est-ce qui vous intéressait dans cette manière presque cosmique de parler du désir amoureux ?

Théo : On avait vraiment envie de pousser l’imaginaire au maximum, en travaillant autour de tout ce champ lexical de l’espace et de l’univers. C’est quelque chose qu’on n’avait encore jamais fait comme ça. On trouvait intéressant de déplacer les frontières et de chercher une autre manière de parler du désir et du coup de foudre.

Depuis vos débuts avec All We Have Is Now, l’idée de vivre maintenant, de ne pas attendre, traverse votre discographie. Aujourd’hui, que signifie « vivre maintenant » pour vous ?

Théo : Je pense qu’on a quelque chose d’assez profond autour de ça. On est assez mélancoliques, et avec le temps qui avance, on se voit aussi évoluer. Ça fait maintenant vingt ans qu’on se connaît. Je pense que, dans nos textes et notre musique, il y a une vraie volonté de figer un moment donné les choses et de faire en sorte qu’elles restent. On le voit avec toute l’histoire qu’on a avec le groupe, avec les Eurockéennes, le fait d’enregistrer à Los Angeles, d’aller à Londres… Il y a plein de choses qui sont, en fait, des photographies de ce qu’on est à des moments précis. Et à la fin, ça fait un grand diaporama. Je crois que ça motive beaucoup notre écriture : le fait de pouvoir mettre des drapeaux quelque part dans le temps. Et je pense qu’on en a besoin pour mieux comprendre le monde dans lequel on vit, parce qu’il y a énormément de choses qui sont hors de notre contrôle. Reprendre la main sur le présent, c’est peut-être l’un des seuls contrôles qu’on puisse avoir. Et c’est vrai que ça motive beaucoup notre écriture.

" Ce qu'on aime le plus ce sont les choses un peu mélancoliques, avec cette sensation d’avoir envie de pleurer en dansant ou en chantant"

Ce nouvel album, vous le voyez comme un nouveau chapitre ou comme la continuité d’une histoire qui n’a jamais vraiment cessé ?

Théo : C’est un nouveau chapitre, mais qui s’inscrit dans la continuité de notre histoire. Ça reste Caesaria, avec ce qu’on a toujours fait et ce qui nous définit, mais les thèmes abordés et la manière de les raconter révèlent une nouvelle facette du groupe. Je trouve que cet album assume encore davantage qui on est. Sur les précédents, on parlait déjà de choses très personnelles, mais ici, on va plus loin dans cette idée : on assume pleinement notre « bordel intérieur » et on essaie d’en faire quelque chose qui puisse parler à tout le monde. C’est vraiment ça, l’idée de cet album.

Pour l’enregistrer, vous avez notamment passé une dizaine de jours à Motorbass, lieu chargé d’histoire pour la musique électronique française. Qu’est-ce que ça représente pour vous ?

Théo : On en rêvait. Quand on nous a proposé plusieurs studios, il y avait Motorbass. Sur le papier, entre le planning, le coût et toute la logistique, ça semblait presque impossible. Mais on s’est dit : « Pourquoi pas ? »

Le studio est assez sélectif : ils ont écouté notre musique et nous ont finalement proposé de nous accueillir. Quand ça s’est concrétisé, on est arrivés comme des gamins. Il faut dire que beaucoup de musiques qui nous ont construits ont été enregistrées là-bas : Music Sounds Better With You de Stardust, de grands albums de Phoenix… Il y a tout un pan de notre culture musicale qui est passé par cet endroit. Pour nous, c’était un peu comme les Eurockéennes : les gamins de treize ans qui rêvaient un jour de vivre ça, et les adultes qu’on est devenus qui y arrivent enfin. C’était assez fou. On avait une dizaine de jours dans un lieu dont on rêvait depuis longtemps. Et, dès notre arrivée, Phoenix était là pour enregistrer. On était immédiatement plongés dans l’histoire du lieu : on les croisait, on discutait un peu avec eux… C’était assez incroyable. Motorbass est vraiment un endroit chargé d’histoire. Il y a toute la French Touch, des artistes comme Sébastien Tellier avec La Ritournelle… Beaucoup de morceaux qui nous ont accompagnés et qui ont, d’une certaine manière, participé à construire Caesaria.

Est-ce qu’il y a eu, pendant cette création, un moment où vous vous êtes dit : « Là, on est en train de faire quelque chose qu’on n’aurait jamais fait avant » ?

Théo : Oui, déjà le fait d’être à Motorbass. Mais il y a aussi eu quelque chose d’assez particulier dans notre façon de travailler. On est arrivés avec beaucoup de choses préparées, mais on n’a pas eu le temps de tout faire comme d’habitude. On avait notamment prévu davantage de temps pour les voix. C’est aussi pour ça qu’on s’est retrouvés ensuite à Los Angeles : on n’avait pas terminé le disque. Ça nous a obligés à travailler différemment et à sortir un peu de notre manière habituelle de faire.

Sur cet album, vous avez travaillé avec Adam Greenspan. Qu’est-ce que vous recherchez aujourd’hui chez quelqu’un à qui vous confiez votre musique ?

Théo : Plusieurs choses. Déjà, une vision qui « feat » avec la nôtre, mais qui nous emmène là où on ne serait pas allés seuls. C’est un vrai travail de confiance. On sait qu’on a besoin d’un driver, d’un vrai réalisateur. On a des idées très précises, mais parfois, le petit supplément d’âme que va apporter le réalisateur, c’est ce qui fait passer un album de « c’est cool » à quelque chose de vraiment fort. On devait bosser avec lui en 2019, mais ça ne s’était jamais fait à cause du Covid et de toutes les complications de cette période. Puis on s’est rappelés en 2025, notamment sur Instagram, et on s’est dit : « Vas-y, on peut peut-être réussir à le faire venir à Paris. »

Il a une approche très new wave de la musique et on voulait absolument cette approche-là pour cet album : quelque chose de pop et de new wave. On a donc énormément échangé en amont pour être bien en accord sur ce qu’on voulait. Puis, pendant les sessions à Motorbass et à Los Angeles, on s’est rendu compte qu’il avait les manettes, mais qu’il savait exactement quel vaisseau il pilotait. Du coup, nous, on pouvait se laisser aller. Se concentrer sur la musique et la composition, sans forcément avoir en permanence des réflexions de production. Et c’était assez fou. Je pense que c’était exactement ce qu’on recherchait : quelqu’un qui nous emmène là où on ne serait pas allés seuls.

Faire entrer un regard extérieur dans un groupe qui se connaît depuis vingt ans, c’est aussi une manière de bousculer les habitudes ?

Théo : Oui. Et aussi de prendre des risques. Mais c’est très risqué, justement, parce que si tu mets la mauvaise personne, tu peux te retrouver avec trois gars qui ne sont plus en accord avec ce qu’ils sont en train de produire.

C’était notre vraie problématique : trouver quelqu’un qui comprenne la destination du disque. J’ai eu des heures et des heures d’appels avec lui pour lui expliquer ce qu’on avait envie de faire, parce qu’il y a pas mal d’histoires de groupes et d’artistes qui se retrouvent embarqués dans une production où ils perdent le contrôle, et finalement se retrouvent avec un album qui ne leur ressemble plus. C’est le vrai risque. Mais le risque positif, c’est aussi de se dire : si tu fais confiance à quelqu’un et qu’il t’emmène exactement là où il faut, alors c’est gagné. Et nous, en tout cas, en tant que musiciens, on est vraiment très heureux de ce qui s’est passé. On n’a jamais autant travaillé ou réalisé un disque de cette manière.

Vous pensiez faire dix titres en dix jours… et vous vous êtes retrouvés avec beaucoup plus de matière.

Théo : Oui, ça a un peu débordé ! On avait l’habitude de fonctionner comme ça : douze titres, douze jours. Un morceau par jour. On préparait énormément les choses en amont, avec beaucoup de travail et d’amour, et jusque-là, ça fonctionnait. Mais là, il a fallu plus de temps.

Vous êtes aussi trois amis qui construisent un projet ensemble depuis longtemps. Comment fait-on pour gérer les désaccords, les conflits ou les frustrations quand l’enjeu est à la fois artistique et profondément humain ?

Théo : Je pense que le plus important, c’est de parler. De communiquer. Parce que parfois, tu ne sais pas vraiment ce que l’autre vit à côté de toi. On est toujours embarqués dans énormément de choses. On a tous des rôles ensemble, mais aussi dissociés, et chacun s’occupe de beaucoup de choses. Tu ne te rends pas forcément compte que l’autre est fatigué, qu’il a envie de quelque chose ou qu’il traverse un moment compliqué. La vraie clé, c’est vraiment de se parler et de s’écouter. D’avoir un peu d’empathie. Parce que la vie d’un artiste en 2026, c’est beaucoup de musique, mais c’est aussi beaucoup de « pas-musique ». Tu viens de finir de tourner et on te demande directement de recomposer, de faire du TikTok, de faire plein de choses… À un moment, tu peux te demander : « Mais qu’est-ce que je fais ? ». Et parfois, tu as simplement besoin de regarder l’autre et de lui demander : « Ça va, toi ? ». Et c’est bien d’en parler. De se dire : « Là, c’est peut-être trop. » Nous, vu que ça fait vingt ans qu’on se connaît, on a cette chance de pouvoir aussi se parler assez franchement. Alors parfois, ça laisse des plumes, on se prend la tête, il y a des discussions houleuses. Mais au moins, on dit les choses et on ne s’en veut jamais. Donc ça, c’est cool.

Après avoir beaucoup voyagé, est-ce que jouer à Strasbourg conserve une saveur particulière ?

Théo : Oui, évidemment. La Laiterie, c’est vraiment notre deuxième maison. On a récemment fait La Poudrière à Belfort, qui était complète quelques jours avant. C’était un rêve pour nous parce que c’est là qu’on est montés sur scène pour la première fois. On s’était dit : « Un jour, on la remplira. » Et on l’a fait. La Laiterie, c’est autre chose. Le premier concert que j’ai vu là-bas, c’était The Bloody Beetroots, puis Skindred… Il y avait tellement de groupes qui nous ont marqués. On prenait le train depuis Belfort pour venir voir ces concerts. On se disait : « Putain, un jour, on y sera. » Et maintenant, on y est, on est à l’affiche. Donc forcément, ça a une saveur hyper particulière. Encore une fois, c’est un peu l’enfant de quinze ans en nous qui ressort. On est juste hyper contents. Et on a vraiment hâte que ça se passe.

Dans vos titres, on retrouve souvent cette ouverture au monde, cette envie d’ailleurs, mais vous restez aussi très attachés à vos racines. Est-ce que Caesaria se nourrit autant de l’envie d’aller voir ailleurs que de l’attachement aux lieux et aux personnes qui vous ont vus naître ?

Thomas : Oui. On a envie d’explorer le monde avec le groupe, de jouer dans d’autres pays, mais on est aussi très fidèles à nos équipes. Donc on embarque tout le monde avec nous. On essaie de travailler le plus longtemps possible avec les gens. Quand quelqu’un rentre dans notre cercle, on essaie de faire en sorte que ça fonctionne le plus longtemps possible. Parfois, ça ne fonctionne plus, évidemment, mais on est vraiment dans cette logique. On a envie d’avoir quelque chose d’international, mais avec tout le monde.

Vous écrivez et chantez en anglais. Est-ce que cette langue vous permet aussi une forme de liberté ou de désinhibition dans l’expression du désir, du coup de foudre, de l’abandon ?

Théo : Oui, il y a de ça. Mais il y a aussi vraiment le côté international. On chante en anglais pour ça. Et puis tous les artistes qui nous font rêver et vibrer depuis des années et des années chantent en anglais. Ça fait forcément partie de notre culture. Moi, j’adore écrire en anglais pour le côté très immédiat de la langue et des sonorités. J’aime aussi beaucoup travailler avec des auteurs anglo-saxons, leur façon de réfléchir, leur manière d’aborder les mots. Il y a toutes ces raisons-là. Et nous, on adore ça.

Vos influences musicales ont-elles évolué au fil des années ou certaines obsessions restent-elles intactes ?

Thomas : Christophe Willem, Double jeu, depuis vingt ans (rires). Ça évolue, mais il y a de grandes références qui restent et qui ne bougeront probablement pas.

Théo : Pour ce nouvel album, on s’est vraiment replongés dans la new wave et aussi dans la French Touch. On allait chercher des groupes comme Depeche Mode, New Order, Talking Heads, mais aussi des choses plus récentes comme Phoenix, Foals. Ce sont vraiment des références qui constituent les bases du groupe. Des choses qu’on a toujours écoutées. Après, évidemment, on se nourrit de ce qui se fait dans le monde, de ce qui se passe dans la musique aujourd’hui. Mais on reste très attachés à ces fondations.

Votre musique est très physique, très liée au mouvement. Est-ce que pour vous une chanson est réussie lorsqu’elle provoque d’abord quelque chose physiquement, avant même qu’on en comprenne les paroles ?

Théo : Je ne pense pas que ce soit aussi simple, parce que ça dépend des chansons. Mais dans le groupe, on aime beaucoup le groove. On se prend énormément la tête sur la batterie, sur la rythmique. Ce n’est pas juste un soutien de la chanson : ça fait vraiment partie intégrante de ce qu’on aime créer. Donc oui, je pense que ça passe beaucoup par le corps. Mais une chanson peut aussi être physique sans forcément être liée au mouvement. Ça peut être ce que tu ressens, quelque chose qui te donne des frissons, qui te bouleverse physiquement. Nous, on aime particulièrement ça parce que c’est ce qu’on recherche dans le club rock : cette musique qui devient réelle sur scène. Au concert, il n’y a quasiment personne qui reste statique. Parfois, les gens ne nous regardent même plus parce qu’ils sont simplement en train de faire la fête ensemble. C’est exactement ça qu’on cherche : le désordre ensemble.

Si vous deviez faire découvrir Strasbourg à quelqu’un qui ne la connaît que par le marché de Noël et la cathédrale, où l’emmèneriez-vous ?

Théo : À La Laiterie, déjà, le 1er octobre !

Thomas : Mais vraiment, à La Laiterie. C’est une zone où on vit tous les jours, donc forcément, on y emmènerait quelqu’un voir un concert. Aller boire un verre à la Péniche Mécanique. Se poser au parc de l’Orangerie.

Théo : On ne va jamais au parc de l’Orangerie.

Si vous pouviez vous retrouver face aux adolescents que vous étiez au moment de votre rencontre, qu’est-ce que vous aimeriez leur dire ?

Théo : Qu’est-ce que c’est que cette coupe de cheveux ? (rires).

Thomas : D’y croire. Et de ne pas lâcher.

Théo : Regarde, on est toujours là.

Et si vous pouviez organiser votre propre festival, où aurait-il lieu et quelle serait la programmation ?

Théo : On l’a déjà un peu fait il y a quelques années avec les Club Rock Nights, autour du deuxième album. On avait fait ça au Havre, à Paris, à Strasbourg… Donc je pense que ce serait dans cette vibe-là : une musique entre new wave, rock électronique, post-punk, dance-punk… Toutes ces influences. On mettrait Depeche Mode, évidemment. The Cure, LCD Soundsystem, New Order aussi. Peter Hook. On mettrait aussi des groupes plus récents.

Et ce serait où ?

Thomas : En extérieur. Parce qu’on a fait des festivals et qu’on a grandi avec les Eurockéennes. Alors pour nous, un festival, c’est forcément de l’herbe sous les pieds. Et de la boue. Dans un parc.

Le parc de l’Orangerie.

Théo : Mais oui ! Le parc de l’Orangerie, ce serait pas mal. On pourrait mettre une scène sur l’eau.

Interview réalisée par Emma Schneider le 7 septembre 2026. Caesaria sera en concert à la Laiterie à Strasbourg le 1 er octobre prochain.

Crédit photos : Grégory Massat – Caroline Gife

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Last Train, habités, au festival Décibulles 2026

Mado-Magazine — Fri, 24 Jul 2026 08:32:52 +0000

Concerts

Last Train, habités, au festival Décibulles 2026

Articles / Archives for Concerts

Quel chemin parcouru, des bancs du collège où ils se sont rencontrés, au groupe de rock le plus programmé des grands festivals français et européens, d’un petit village du Sundgau à la première partie de groupes tels que Linkin Park ou Muse. Sur scène, Last Train dépasse la simple exécution technique et offre une expérience sans compromis, un lâcher prise total qui marque durablement les esprits. Jean-Noël, Tim, Antoine et Julien ne jouent pas leurs morceaux, ils les habitent et semblent portés par l’urgence de s’exprimer avec une sincérité absolue qui rassemble et bouleverse. Chaque titre résonne comme la bande-son de moments de vie, d’instants d’ivresse, d’amours fragiles, de virées estivales, de nuits blanches, d’êtres cabossés… transformant les lives en espaces-temps d’émotion pure et viscérale. Rares sont ceux qui parviennent à créer à ce point un pont avec leur public, Last Train insuffle une énergie brute contagieuse, qui fédère et met tout le monde d’accord. Nous les avons rencontrés lors de leur venue au Festival Décibulles.

Vous avez intitulé votre dernier album III, c’est brut, incisif. Après, votre album OMPS qu’on peut qualifier de très produit, était-ce une volonté de votre part de revenir à quelque chose de plus incisif ?
Antoine : C’est exactement ça. OMPS était très orchestral, très écrit, un travail de studio avec des morceaux très épiques, des envolées de violons. Avec III, le but était de revenir à ce qu’on faisait avant, c’est-à-dire composer de la musique à quatre dans un local de répète afin d’avoir cette énergie pensée pour le live, à travers des morceaux assez renfermés en tension.

Last Train a cette spécificité de composer des titres qui dépassent souvent cinq minutes pour atteindre jusqu’à une vingtaine de minutes. Vous laissez progresser la musique comme on déroule une histoire, à bien des égards vous avez une approche très cinématographique de la musique.
Jean-Noël : Ce sont des ambiances musicales qui nous parlent. On a toujours été touchés par une musique d’espace, une musique qui laisse place à une certaine imagination, qui permet de se projeter et d’accompagner des moments de vie. Et quand il a fallu composer nos propres morceaux, c’est, on va dire, naturellement, dans ces ambiances-là qu’on s’est plongés, parce que ce sont celles qui nous plaisent en premier lieu.

Après avoir composé Original Motion Picture Soundtrack, « la bande-son d’un film qui n’existe pas » en collaboration avec l’Orchestre Symphonique de Mulhouse, seriez-vous tenté de composer la bande-son d’un film qui existe ?
Jean-Noël : Oui, bien sûr. Sans dire que c’était un appel du pied,(rires) mais le cinéma est quelque chose qui nous plaît beaucoup et donc forcément écrire pour le cinéma nous botterait.

Y a t-il un film qui existe déjà et duquel vous auriez aimé composer la bande-son ?
Tim : Lost in Translation nous avait beaucoup marqués à l’époque.
Jean-Noël : Je dirais le film Her.
Antoine : Ouais, c’est un peu un film dans le même genre, mais Past Lives aussi, qui est un A24, c’est super.
Julien : Moi je dirais, The Tree of Life de Terrence Malick. Que des films heureux quoi.

Avec quel réalisateur rêveriez-vous de collaborer ?
Tim, Antoine, Jean-Noël : Avec Julien Peultier.
Julien : Oh les gars, wow! Ok, ça me touche énormément, merci.

Tu réalises pas mal de clips et de documentaires, ce serait un projet potentiel de réaliser un film ?
Julien : Oui, tout à fait, j’aimerais arrêter de faire des clips et peut-être moins de documentaires pour me consacrer à la fiction. Je dis ça, mais je viens d’avoir une proposition de clip il y a cinq minutes que je vais sans doute accepter, donc je vais encore retarder l’échéance (rires). Mais oui l’idée serait de se lancer vraiment en fiction, je pense, rapidement et on verra bien si j’ai envie que ce soit Last Train qui en compose la bande originale. Huuuum… Oui, ce sera Last Train (rires).

Votre pochette d’album m’évoque une aquarelle, on dirait que le visage se dilue, un peu à l’image du cri d’Edvard Munch. Pourquoi ce choix que l’on pourrait qualifier d’esthétiquement dérangeant ?
Jean-Noël : L’histoire de la pochette est chouette. On était en shooting photo à Paris pour tenter une nouvelle direction artistique avec des stylistes, des photographes de studios, des gens avec qui on n’avait pas l’habitude de bosser… Au final, ce shooting n’a pas abouti à grand chose de concret, mais pendant une pause, il y a eu cette idée de mettre ma tête contre une plaque de Plexi. Je crois que ça nous a tous marqués. Je trouve que c’est ça aussi une bonne pochette, sentir qu’il se passe immédiatement quelque chose quand tu la regardes. Ça participe au plaisir de découvrir des artistes, des vinyles. Assez vite s’est inscrit cette idée qu’on pourrait l’utiliser pour cet album. D’autant que ça vient un peu corroborer ce que disait Antoine tout à l’heure, c’était simple, c’était direct, c’était parlant, c’était un peu sauvage et donc ça allait bien dans la DA de l’album.

Toute forme d’art étant source d’inspiration, avez-vous un livre de chevet, un disque qui vous a accompagné pendant l’écriture de cet album ?
Jean-Noël : L’inspiration et les influences ça va, ça vient. C’est compliqué d’en cibler une. Surtout que cet album, on l’a écrit presque en parallèle de l’album orchestral, donc on était dans des états d’esprit un peu différents. Je crois qu’une des plus grandes sources de motivation sur III, ça a été la scène.
Tim : Oui, tout à fait, et j’ai même envie d’ajouter que quand on est en période de composition et en studio, on n’écoute pas énormément de musique. Déjà parce que je pense qu’on n’a pas envie de trop s’inspirer et on a déjà la tête tellement pleine, que ce qu’on écoute c’est plutôt ce qu’on est en train de faire. Donc il n’y a pas vraiment de livre de chevet, car la création d’un album est une petite parenthèse un peu weird où tu es vraiment focus sur ce que tu fais.

Considérez-vous le choix de l’indépendance, comme nécessaire pour rester fidèles à votre identité ?
Julien : En premier lieu, le choix de l’indépendance a plutôt été une nécessité parce qu’on vient d’un patelin du Sundgau et on a commencé très jeunes, évidemment on n’avait aucun contact dans le milieu de la musique, aucun manager, aucun label, rien. Donc il a fallu faire les choses par nous-mêmes, se serrer les coups, trouver des concerts, trouver de la promo, savoir comment est-ce qu’on fait un album, ça nous a beaucoup soudés. Dans un premier temps ça a été vraiment ça. Quant à aujourd’hui, c’est effectivement avant tout la volonté d’être indépendants, d’être au centre de toutes les décisions, de savoir exactement ce qu’on a envie de faire et de pouvoir le faire. Évidemment, ça ne veut pas dire de travailler seuls. Forts de 15 ans de connaissances dans ce milieu-là maintenant, on a pu au fil des années choisir des partenaires avec qui on s’entend très bien. On est indépendants, tout en ayant la chance de travailler avec des gens qu’on a choisis avec qui on est très très heureux de collaborer, mais on reste les seuls maîtres à bord et au centre de toutes les décisions.

"On a un public qui est adorable, une équipe technique qui est incroyable. On mesure chaque jour la chance qu'on a d'être là aujourd'hui."

Si vous deviez donner un titre à ce que vous vous vivez actuellement lequel serait-il ?
Jean-Noël : La Best Life.
Julien : The Good Life c’est un album de K.Maro. (rires)
Tim : Pour contextualiser c’est vrai qu’on fait des concerts dans tous les sens depuis plus de 15 ans et là on profite vraiment de cette tournée qu’on est en train de vivre cette année parce que non pas qu’on est arrivé au point qu’on souhaitait mais en tout cas on est arrivé à un point qui est quand même super confort et puis on joue dans des festivals de ouf avec des accueils de ouf. On a un public qui est adorable, une équipe technique qui est incroyable. On mesure chaque jour la chance qu’on a d’être là aujourd’hui. D’où la good life.

Comment arrive-t-on à gérer les conflits, les désaccords, quand on est 4 amis de longue date et qu’on construit ensemble quelque chose de cette envergure ? L’un d’entre vous gère les situations de crise ?
Jean-Noël : Non, parce qu’en fait c’est un groupe, un collectif et je pense qu’au contraire on a tous notre responsabilité par rapport au fait de maintenir un climat qui est sain, safe, bienveillant et respectueux. Ce sont des efforts du quotidien mais comme dans n’importe quelle relation il s’agit justement de se respecter les uns les autres et j’ai l’impression qu’en grandissant ça va de mieux en mieux. On pourrait croire qu’une aventure sur le long terme est compliquée à mener mais j’ai l’impression qu’en grandissant au contraire on a de plus en plus d’outils, on est de plus en plus armés et de plus en plus justement à l’écoute de ce respect mutuel qui fait que ça abonde dans le sens de la good life.

" On pourrait croire qu'une aventure sur le long terme est compliquée à mener mais j'ai l'impression qu'en grandissant au contraire on a de plus en plus d'outils, on est de plus en plus armés et de plus en plus justement à l'écoute de ce respect mutuel qui fait que ça abonde dans le sens de la good life."

J’ai vu que vous aviez créé votre propre festival il y a quelques années, la Messe de Minuit ?
Tim : Oui tout à fait, c’était un projet qu’on a monté en 2018-2019 à Lyon. C’était trop cool, on est alsaciens mais lyonnais d’adoption depuis une petite dizaine d’années. On a monté ce festival dans différentes salles à Lyon et c’était trop chouette de pouvoir inviter les artistes qu’on aime. Il faut admettre qu’ensuite faire ça en étant en tournée était compliqué donc on a privilégié le développement de Last Train mais qui sait un jour peut-être on reviendra à ce festival. C’était une très belle édition en tous cas.

Et si aujourd’hui, on vous permettait d’organiser le festival de vos rêves, avec les artistes morts ou vivants de votre choix, quelle en serait la programmation ?
Julien : Aïe aïe aïe, morts ou vivants ? C’est n’importe quoi ! (rires), trop dur, c’est trop vaste.
Tim : Déjà moi je ferais ça ici à Décibulles, je suis un gros lèche cul, j’ai abusé. Mais tu vois cet été on a eu la chance de faire tous types de festivals, des gros festivals, des festivals français ou étrangers, et autant c’est un plaisir de jouer dans des festivals qui sont immenses avec des têtes d’affiches incroyables mais je me rends compte que les festivals plus petits comme Décibulles, ce sont ceux dans lesquels j’adorerais aller en tant que festivalier parce que ce n’est pas l’usine. C’est juste agréable et donc du coup pour ça le site et la jauge sont déjà très bien, après je laisse à mes collègues le choix des artistes morts ou vivants.
Julien : Morts ou vivants c’est le bordel. Je mets les Beatles, Ben PLG, WU LYF, Oasis, Olivia Rodrigo pour Jean No.
Tim : Gracie Abrams pour moi, s’il te plaît.
Antoine : Je vais m’occuper de la scène club parce que c’est toujours des grandes stars . Dans ma scène club, on va mettre DITTER, MARTA qui était là hier aussi, on va mettre Maddy Street qui joue ici ce soir. Qu’est ce que j’ai vu de bien ces derniers temps … On va mettre Lambrini Girls.
Tim : Je vais faire une scène avec Raye et Olivia Dean.
Antoine : Trop bien une scène un peu soul comme ça. Si on a le droit de ressusciter les morts alors on va mettre Amy Winehouse aussi.
Tim : Ouais très stylé, mais je ne te raconte pas le rider mon pote.
Antoine : Après on s’en fout on a stock infini.
Tim : Budget illimité aussi ?
Antoine : Bah ouais apparemment, déjà si on fait venir les Beatles je pense ça coûte 50 millions !

Et le lieu ?
Tim : Ça va être galère avec tout ce monde.
Antoine : Logistiquement déjà, c’est la merde.
Tim : Il n’ y a pas d’espace de dégagement sur la grande scène avec les Beatles et Amy Winehouse, on est dead.
Antoine : J’aime bien ici dans les Vosges, ça me va bien en Alsace.
Julien : Il paraît que Rihanna voulait acheter une maison à Épinal, tu vois elle n’était pas loin.

Un lieu vous inspire-t-il particulièrement pour composer ?
Julien : Jean-No qui compose le plus de nous quatre disait que ça pouvait venir n’importe où, n’importe quand. Je me souviens qu’à une époque quand on travaillait en fast-food lui et moi, il disait qu’il composait en cuisant des burgers au Quick donc j’ai l’impression que ça peut venir un peu n’importe où. Là, je sais que de temps en temps, il va dans une maison dans les Vosges. Nous on aime beaucoup se retrouver tous les 4 soit dans notre local de répète à Lyon soit on loue parfois pour des petites résidences de 2-3 jours à Tarare dans le studio l’Hacienda. Je crois que tous les lieux sont bons à partir du moment où on se sent à peu près bien dans sa tête et on sent que c’est un bon moment pour le faire.

Vous avez tous votre rôle prédéfini, chacun jouant d’un instrument différent, à côté de ça est-ce que vous avez aussi des rôles bien particuliers à un autre niveau dans le groupe ?
Julien : Je réalise les documentaires, Jean-No fait les papiers, il adore les papiers et Tim s’occupe de toutes les créa graphiques, de tout le merch aussi. On essaie chacun à notre façon de tenir des rôles, de se rendre utiles à notre petite communauté, à notre microcosme qu’est Last Train. L’idée c’est qu’on mette tous la main à la pâte en fonction des besoins, en fonction du moment où on en est dans notre carrière mais on essaie de faire ça de façon assez équitable, ça l’est pas toujours mais voilà on bosse.

Vous vous êtes rencontrés au collège, aujourd’hui qui diriez-vous aux ados que vous avez été ?
Tim : Tu as un truc à dire toi au petit Antoine qui est au fond de toi ?
Antoine : « Ne stresse pas trop »
Julien : « Sois gentil avec toi-même, ça va être cool, la vie est belle »
Tim : « Sois gentil, bienveillant avec les autres. Non pas qu’on ait été des ordures c’est pas ça ce qu’on est en train de dire (rires) mais voilà c’est toujours bien de se le rappeler et qu’il est important de ne pas être trop dur avec soi-même.

Vous avez récemment fait l’ouverture du concert de Linkin Park à Lyon, c’était comment ?
Tim : C’était assez incroyable, comme je disais on est Lyonnais d’adoption donc ça nous faisait jouer au Groupama Stadium qui est la plus grande salle de concerts possible à Lyon et jouer avant un artiste qu’on a écouté étant ado c’était un truc de ouf aussi, on est trop heureux.
Antoine : On a eu de la chance, ça s’est bien goupillé avec le public, on a assez bien réussi à embarquer les gens. Le concert ne date que d’il y a un mois et on croise beaucoup de gens sur certaines dates qui nous ont rencontrés là-bas et qui nous font de supers retours. C’était un bon moment pour nous tou, ça s’est vraiment bien passé.

Un petit mot pour le public de Décibulles ?
Antoine : Hydratez-vous, merci d’être là et j’espère que vous kiffez bien le festival. Profitez-en, c’est une chance d’avoir des festivals à taille humaine comme ça, qui ne coûtent pas forcément méga cher mais qui permettent de se faire plein de souvenirs.

Interview réalisée le samedi 11 juillet 2026 par Emma Schneider à l’occasion du Festival les Décibulles

Crédit photos : Candice Imbert

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Alma, au Pelpass Festival, « En chrysalide »

Mado-Magazine — Thu, 09 Jul 2026 09:44:25 +0000

Concerts

Alma, au Pelpass Festival, « En chrysalide »

Articles / Archives for Concerts

On ne se lasse pas d’écouter les titres d’Alma Rechtman, tant le désir de s’imprégner de chacun de ses mots comme on apprendrait les vers d’une poésie brute, est grand. Avec ses textes sublimes déposés de sa voix chaude dans un phrasé délicat, Alma laisse derrière elle le coeur retourné. L’émotion est si palpable que l’on croirait entendre nos larmes couler dans nos oreilles. N’avez-vous jamais ressenti cela ? Ne plus oser bouger de peur de briser quelque chose ? Alma Rechtman est incontestablement une artiste multiple dont chaque mot murmuré infuse et résonne longtemps. Vous me direz : Pourtant les libellules ne butinent pas. Et je vous répondrai qu’avec Alma tout est possible.

D’où te vient, cet attrait pour les chansons chorales ?
Pour moi c’est important le collectif, déjà politiquement et puis même dans la vie en général. Je ressens une passion pour les pouvoirs entremêlés, je trouve qu’on touche à une sorte d’esthétique voire même à Dieu dans ces moments-là. Toutes ces voix qui s’harmonisent entre elles et qui créent une sorte de corps m’apaisent profondément et me donnent beaucoup d’espoir. Je pense que cette passion me vient de mon enfance, ma mère est américaine, j’ai été élevée dans le jazz, j’ai entendu beaucoup de chorales, de gospel, elle m’a donné la culture des gens qui chantent ensemble.

Tu es issue d’une famille de musiciens, mais tu as d’abord choisi la voie du théâtre… C’est un art auquel tu laisses toujours une place dans ta vie ?
Je n’ai plus envie d’être comédienne, sauf si on me propose un projet qui me tient à cœur, qui parle de ce qui se passe socialement aujourd’hui, mais ce n’est plus un désir pour moi d’être sur scène et de briller dans un rôle. J’ai connu ça quand j’étais très jeune, voir les planches et être complètement en joie et en folie. Aujourd’hui, le théâtre se mue dans ma musique et sur scène, je suis très frontale avec mon public, j’aime jouer avec eux. Par contre, j’adore écrire du théâtre et mettre en scène, j’ai écrit pas mal de pièces que je n’ai jamais sorties. Il est possible qu’un jour je m’y remette, mais j’attends, parce que là la musique est entrain de prendre beaucoup de place et c’est génial. On ne peut pas tout mener en même temps.

Le milieu musical étant un peu une histoire de famille, y a t-il eu ce besoin de partir sur autre chose au départ ?
Oui exactement, j’avais besoin de m’émanciper complètement, parce que j’étais noyée dans la musique, on me traînait d’une date à une autre, dans des petits bars où ça chantait du jazz, et je me disais que ce n’était pas pour moi. Je ne voulais pas faire comme ma mère, donc j’ai essayé plein de choses, l’art plastique, le cinéma, le théâtre pour finalement revenir à quelque chose qui était beaucoup plus vrai, un peu ma raison de vivre en fait. Le théâtre ne m’a jamais procuré le plaisir que la musique me donne.

Ce n’est pas quelque chose qui a été imposé par ta famille, au contraire c’est naturellement que…
Ça m’est tombé dessus, tu chasses le naturel et il revient au galop. (rires)

"Toutes ces voix qui s'harmonisent entre elles et qui créent une sorte de corps m'apaisent profondément et me donnent beaucoup d'espoir."

Dans tes chansons, tu parles beaucoup d’histoires d’amour et de ruptures amoureuses, c’est un sujet qui t’inspire particulièrement ?
C’est un sujet qui m’a inspiré et qui est récurrent dans les premières chansons que j’ai sorties. Donc pour l’instant on dirait que je ne parle que de ça. Mais il y a encore plein de chansons à venir qui traitent beaucoup des sujets familiaux, notamment des familles un peu dysfonctionnelles et aussi des corps brisés. J’ai voulu me présenter au monde par ces histoires d’amour qui étaient pour moi plus universelles donc un peu moins intimes. Et là il y a un deuxième volet avec notamment cette chanson qui est sortie à la fin mai, qui est beaucoup plus intime sur comment réparer les corps qui ont été blessés fortement et qu’on aime. Mais ça a été important pour moi de parler d’amour déjà, parce que c’était important pour moi d’avoir cette parole lesbienne, qui est politique et de pouvoir chanter l’amour comme il me semblait.

Considères-tu ta musique, tes chansons comme porte-étendard de tes revendications ?
Oui, tout à fait. Même mes revendications très intimes, par exemple « Dans ma maison » est vraiment une ode à comment on fait pour se dépatouiller dans un grand corps, quand on est perdu à l’intérieur de soi et comment on fait pour défaire toutes les prisons qui nous enserrent, toutes ces pensées qui nous enferment. C’est un appel à sortir de soi, et pour moi c’est une revendication hyper forte, parce que c’est un peu l’ode à la vulnérabilité. « Je veux être dans tes bras » c’est une manière de dire que le monde s’effondre et j’ai besoin de dire aux gens de se réveiller, qu’il faut qu’on soit dans les bras les unes des autres, les uns des autres pour survivre à ce qui arrive, parce que c’est effrayant quand même.

Les femmes dans le milieu de la musique sont encore très sous-représentées. Le ressens-tu personnellement ?
Oui, c’est horrible. Je le ressens partout où je vais, dans tous les théâtres, dans toute les équipes techniques, il y a genre cinq mecs pour une meuf. Les ingé sons femmes c’est hyper rare, moi je me bats pour ça, j’aimerais avoir plus de femmes au plateau aussi, là je joue avec mon meilleur copain depuis dix ans, mais je vais rajouter une femme. Dans tous les endroits que je côtoie, c’est comme si la place des femmes était réservée à être dans le public ou à accepter la musique et pas à être sur scène. Et les statistiques sont effrayantes. Dans les maisons de disques, les maisons d’édition, il y a des hommes partout, les plus grands, les programmateurs, tous les postes qui sont un peu importants dans la musique sont régis par les hommes, mais comme dans tout quoi. Il y a des projets féminins qui marchent, et il y a les mecs de l’industrie musicale qui vont venir te dire qu’il y a trop de meufs, et trop de chanteuses, mais ce n’est pas vrai, tout ce qui marche c’est les groupes de boys band, donc c’est un peu énervant.

" « Dans ma maison » est vraiment une ode à comment on fait pour se dépatouiller dans un grand corps, quand on est perdu à l'intérieur de soi et comment on fait pour défaire toutes les prisons qui nous enserrent, toutes ces pensées qui nous enferment."

À Québec, il y a une sorte d’annuaire qui s’appelle « Femmes en musique » et qui donne de la visibilité aux femmes à tous les niveaux de l’industrie musicale, on y trouve autant des bassistes, que des techniciennes du son ou agentes….
C’est génial ! Il se passe des choses en France aussi, il y a quand même de plus en plus de meufs « techos », il y a des réseaux qui se font, notamment celui de la Flèche d’Or… c’est en train de bouger, mais c’est uniquement parce que les meufs sont militantes et qu’elles sont venues dire : « Non, non, on a une place ici et on fait mieux le travail que vous. »

Dans l’ouvrage « Ni muses, ni groupies » (éditions Leduc), la journaliste Chloé Thibaud et l’ancienne chanteuse du groupe L’Impératrice Flore Benguigui déplorent un secteur gangréné par « le boy’s club » et hostile aux femmes artistes.
Clairement, mais on se fait une place. Moi je me rends compte que je n’écoute presque que des femmes, des personnes non-binaires, des personnes trans ou des personnes de la communauté queer, j’ai très peu de mecs cis blancs dans les oreilles et je ne le choisis même pas, c’est vraiment un style musical. Limite la musique queer, ça s’entend, je trouve, ça se reconnaît. Il y a vraiment une prise de parole qui est différente et je ne peux pas dire plus intéressante, mais en tout cas qui moi m’appelle plus.

J’ai vu dans plusieurs articles que tu étais souvent comparée à Camille. Ce n’est pas fatiguant cette tendance à être assimilée sans arrêt à une autre artiste ?
J’en ai trop marre, je suis désolée, c’est un peu un coup de gueule, mais on vient de me le dire juste avant en interview en plus. Ce qui me saoule c’est que la seule meuf qui fait en France de la musique un peu weird, du coup, il n’y a qu’elle qui peut le faire. Et tu vois, on va jamais me dire ton inspiration c’est Suzanne Vega ou c’est Björk, on va me dire Camille parce que je joue avec la sonorité, mais je trouve qu’en fait, on ne se ressemble pas tant que ça, il y a une chanson que je fais à capella, c’est Dans ma maison. Et j’adore son travail, elle a inventé un truc, tout son travail de composition de ses chansons, sa manière de travailler entre le français et l’anglais, de jouer avec les mots, elle est trop forte, mais c’est son style à elle. J’ai bon espoir que quand on va entendre les prochaines chansons qui vont sortir, on va arrêter de me comparer à Camille, parce que je pense que ça n’a rien à voir.

Bravo pour ta prestation au Pelpass festival aujourd’hui, ce n’est pas forcément facile d’être la première à passer sur scène.
Là, je suis un peu lancée partout sur les routes, on appelle ça des tournées fléchettes, tu es envoyée à droite à gauche pour te créer de l’expérience. C’est pas forcément facile de livrer un set intimiste quand un autre groupe fait ses balances sur la scène à côté par exemple. Mais je sens que je suis en train de prendre de la bouteille et d’être plus assurée. C’est un exercice trop intéressant qui te force à toujours avoir confiance en ta musique. Et là, tu sais que peu importe qu’il y ait trois personnes ou mille, ça ne change rien, tu délivreras la même chose.

Tu as assurée les premières parties de plusieurs artistes de Solann à Feu Chatterton. Quel souvenir en gardes-tu ?
Je les adore. Ils sont trop forts. Feu Chatterton, je me souviens, j’ai fait trois dates avec eux. La première, j’étais toute stressée, avec ma guitare devant 2500 personnes, à me dire : « Mais je vais mourir d’angoisse ». Et après, je regardais leur concert. J’ai vu comment ils s’éclataient et qu’ils étaient détentes. Ils ont 20 ans dans les pattes de métier. Je me suis dit que j’allais faire pareil, que j’allais m’amuser. Pourquoi je me stresse ? Il n’y a aucun intérêt à stresser. Du coup, la deuxième date, je me suis complètement défaite, délurée. C’était trop agréable. De retrouver l’amusement grâce à ce que j’avais appris de leur concert.

Interview réalisée le dimanche 16 mai 2026 par Emma Schneider à l’occasion du Pelpass Festival
Crédit photos : Grégory Massat – Photo de couverture : Félix Dufour

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Selah Sue and The Gallands, d’ombre et de lumière

Mado-Magazine — Tue, 07 Jul 2026 09:11:45 +0000

Concerts

Selah Sue and The Gallands, d’ombre et de lumière

Articles / Archives for Concerts

De la rencontre entre Selah Sue et The Gallands naît un album qui saisit nos émotions les plus profondes et nous donne envie de voir le beau. Dans une harmonie proche de la communion, Movin’ est une ode à l’espoir d’autant plus puissante qu’elle est portée par la voix de Selah Sue pour qui la santé mentale et les profondeurs qu’elle a pu tutoyer n’a jamais été un tabou et ce depuis ses premiers albums. Des titres apaisés, apaisants, mêlant la voix soulful si caractéristique à la chanteuse belge et l’univers musical des Gallands, duo formé par le légendaire batteur de jazz Stéphane Galland et son fils Elvin, lui-même claviériste, producteur, directeur musical et compositeur. Des grooves organiques, bruts et virtuoses, un jazz contemporain hybride tissé de multiples influences, et ces paroles qui nous murmurent à l’oreille que rien n’est jamais figé.

Pouvez-vous décrire ce nouvel album en 5 mots ?

Selah Sue : Le premier mot serait « Movin’ », c’est également le nom de l’album. Stéphane, Elvin et moi sommes trois identités en mouvement les unes avec les autres qui se sont mutuellement nourries pour créer cette œuvre. La musique elle-même est en mouvement. Cet album est émouvant parce qu’il est beau de voir comment nous venons tous d’univers différents pour construire une unité artistique.

Le deuxième mot serait spirituel. C’est la première fois que je chante et parle autant de spiritualité. Ces dernières années, j’ai vécu des expériences très profondes, notamment avec l’ayahuasca, qui m’ont donné le sentiment de percevoir une force supérieure. Je ne suis pas particulièrement religieuse, mais je suis spirituelle, et cela se ressent dans cet album.

Je dirais aussi que cet album est très rythmique. Habituellement, je commence par une mélodie ou des accords, mais cette fois les chansons sont nées des rythmes et des grooves de batterie de Stéphane Galland. Son jeu est incroyablement original et a véritablement guidé la création de l’album.

Nous venons tous d’univers différents : Elvin est plus proche de la pop et de la house, moi de la soul et du hip-hop, et Stéphane du jazz. Malgré cela, ma voix reste toujours très soul et émotionnelle. Je décrirais donc également cet album comme un album qui a une âme.

Un autre mot important serait liberté. Pour la première fois, je n’ai pas ressenti le besoin de plaire à qui que ce soit. J’ai enregistré toutes les voix chez moi, seule, sans personne pour me dire ce que je devais changer. J’ai simplement fait ce que j’avais envie de faire. Cette liberté s’entend vraiment sur le disque.

La santé mentale a toujours été un sujet important pour moi. La toute première phrase que j'ai écrite à 16 ans était : « Je ne me sens pas très bien ces derniers temps. »

Soul, jazz, hip-hop, électro, vous êtes une artiste multiple qui croise les influences.

Selah Sue : Je n’aime pas être enfermée dans une case. Je ne me considère ni comme une chanteuse pop, ni jazz, ni soul. Je me vois avant tout comme une musicienne. J’utilise ma voix comme un instrument, pour expérimenter les rythmes, les sons et les textures.

Comme vos trois premiers albums, celui-ci traite ouvertement de la santé mentale, pensez-vous que c’est encore un sujet tabou en France ?

Selah Sue : La santé mentale a toujours été un sujet important pour moi. La toute première phrase que j’ai écrite à 16 ans était : « Je ne me sens pas très bien ces derniers temps. » Je me suis toujours intéressée à mon état intérieur, cela n’a jamais été un tabou pour moi. Je pense que nous devons encore apprendre à être honnêtes lorsque nous traversons des moments difficiles. Il est plus facile de dire après coup : « J’ai traversé une période compliquée, mais maintenant ça va mieux », que d’avouer sur le moment que l’on souffre.

C.G Jung écrivait : « La clarté ne naît pas de ce que l’on imagine de clair, mais de ce qu’on prend conscience de l’obscur. »

Selah Sue : Cet album parle beaucoup d’ombre et de lumière. Au début de son écriture, il y avait davantage d’obscurité, mais au fil du temps mon état d’esprit est devenu plus léger. On peut presque entendre cette évolution au fil des morceaux.

En quoi vous sentez-vous complémentaire avec les Gallands, qui a apporté quoi à cet album ?

Selah Sue : Elvin apporte une vision globale très forte du projet. Il sait voir ce dont un album a besoin. Stéphane, lui, apporte une forme de génie spontané, une créativité pure et libre. Quant à moi, je me situe un peu entre les deux. Ce qui fonctionne si bien entre nous, c’est le respect mutuel : chacun apporte sa contribution sans imposer sa vision aux autres.

"J'adore travailler en groupe. Cela enlève une partie de la pression que je ressentais en tant qu'artiste solo. Je me sens soutenue et rassurée lorsque je travaille avec eux."

Après 3 albums en solo, comment appréhende-t-on le fait de construire à plusieurs ?

Selah Sue : J’adore travailler en groupe. Cela enlève une partie de la pression que je ressentais en tant qu’artiste solo. Je me sens soutenue et rassurée lorsque je travaille avec eux.

Si vous deviez donner un titre à ce que vous vivez actuellement ?

Selah Sue : Si je devais résumer ma philosophie actuelle en un mot, ce serait encore « Movin’ ». Tout est toujours en mouvement. Les bons moments passent, les mauvais aussi. Rien ne reste identique. Cela apporte à la fois du réconfort et de l’espoir. Il suffit de suivre le courant et d’avancer à travers les hauts et les bas.

Vous serez ce soir sur la scène du Wolfi Jazz. Si vous pouviez organiser votre propre festival, où aurait-il lieu et quelle en serait la programmation ?

Selah Sue : Mon festival idéal se déroulerait près de la mer, avec une température parfaite, ni trop chaude ni trop froide. J’y programmerais du jazz spirituel, du hip-hop, de la drum and bass et toutes les musiques qui me touchent, qu’elles soient électroniques ou classiques.

Aujourd’hui, que diriez-vous à l’adolescente que vous avez été ?

Selah Sue : Si je pouvais parler à la personne que j’étais plus jeune, je lui dirais de garder espoir. Lorsque l’on traverse une dépression ou une période difficile, on a souvent l’impression que cela durera toujours. Aujourd’hui, à 37 ans, je suis heureuse. Je lui dirais donc : « Tiens bon. Traverse la douleur. Les choses finiront par s’améliorer. »

Selah Sue & The Gallands : Movin’, paru le 20 mars 2026

Interview réalisée par Emma Schneider le 20 juin 2026 dans le cadre du Wolfi Jazz.
Crédit photos : Candice Imbert

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Zélie, Reine de Coeur

Mado-Magazine — Tue, 19 May 2026 13:43:57 +0000

Concerts

Zélie, Reine de Coeur

Articles / Archives for Concerts

Avec son deuxième album, intitulé « Le cœur et sa dictature » et sorti le 27 février dernier, Zélie s’impose et défend farouchement la liberté d’être qui l’on veut. C’est le cœur qui décide et ce qu’il décide fait loi. À commencer par l’indépendance puisque pour la construction de ce nouvel opus, Zélie a lancé aux côtés de sa manageuse, sa propre structure, LABEL & LA Z. On y retrouve des titres intimes qui explorent sans filtres le rapport à l’autre et à soi-même. Avec un Olympia d’ores et déjà complet et trois dates au Trianon à venir, Zélie fait son entrée dans la cour des Grands et y mérite amplement sa place.

Avec ce second album, tu fais le choix de l’indépendance, ce choix t’offre-t-il une totale liberté ?

Zélie : Une totale liberté artistique, oui. En label, j’étais assez autonome, on me laissait faire beaucoup de choses, mais je n’avais pas la main mise sur les décisions à prendre et les choix finaux. Aujourd’hui, c’est moi qui ait le dernier mot. Si j’ai quelque chose sur le cœur et que je suis sûre de moi, on finit par le faire et c’est assez agréable. J’ai monté mon label avec ma manageuse, quelqu’un en qui j’ai 100% confiance. Et c’est aussi ça la liberté que je ressens dans mon travail, pouvoir bosser uniquement avec des personnes en qui j’ai une confiance aveugle.

Avant de composer et de chanter, tu as eu un parcours de danseuse. Est-ce que c’est une discipline qui garde une place centrale dans ta vie ?

C’est pour moi une force que j’aime beaucoup mettre en avant et qui fait vraiment partie de mon identité. Longtemps, j’ai eu des périodes où j’ai manqué de confiance en moi dans la musique, en me disant que je n’ai pas encore le truc, que je ne me différencie pas des autres. Mais dans la danse, grâce au fait de bien connaître mon corps, de connaître mes mouvements, de me sentir à 100% moi-même quand je le fais et de me sentir très alignée, je me suis toujours dit que quoiqu’il arrive je le ferais à ma sauce.
Donc, oui, je lui donne une place très importante. Avant les concerts, je m’échauffe la voix, autant que je m’échauffe le corps. Sur scène, on a environ 40% du show qui est dansé. Mais ce n’est plus tant la même discipline, parce que je faisais de la danse contemporaine avant et là, c’est une danse plus hip-hop, plus « clipesque », qui vient vraiment accompagner mes chansons, qui sont très pop. J’emprunte quand même quelques mouvements à la danse contemporaine.

Dans tes textes, le thème du rapport que l’on entretient à son corps est récurrent. Pourquoi selon toi ce complexe affecte encore et toujours les femmes ? Comment se libérer de ces diktats esthétiques ?

Il faut que les filles grandissent avec des modèles variés et non pas cette utopie qu’on leur rentre dans la tête. Réaliser que le corps parfait n’existe pas et que ce n’est pas quelque chose qui les définit, que leur physique n’est pas la chose la plus importante en soi. Tout le monde est complexé par son physique, tout le monde fait attention à ça, mais je pense que nous les femmes on a l’impression qu’on va devoir beaucoup jouer dessus toute notre vie, que ça va être un atout et que si on n’a pas cet atout, on est complètement démunies. J’ai commencé à me sentir vachement mieux dès lors que j’ai pris conscience que mes qualités étaient multiples et que ce n’était pas grâce à mon physique que je pouvais accomplir certaines choses, que je recevais de la reconnaissance, que je pouvais m’aimer sans forcément m’aimer physiquement tout le temps.
Je pense que c’est important de remettre l’église au milieu du village pour ne pas définir les femmes par leur corps, ne pas les objectifier, ne pas les réduire à ça et leur expliquer qu’elles ont tout autant les capacités que les hommes d’accomplir de grandes choses..

Tu parles également beaucoup de ta famille, ton frère, tes parents, le divorce. Dévoiler cette intimité c’est quelque chose qui a été discuté avec eux auparavant, qui a été bien reçu ?

Ils se sont peut-être pris une claque un peu au départ, mais ça va faire cinq ans que je sors de la musique, je pense qu’ils se sont habitués au fait que j’allais en dévoiler beaucoup de notre famille, de notre intimité. On ne parle pas avant des sujets que je vais aborder, mais ils ne les découvrent pas non plus à la sortie de l’album parce qu’on est quand même très proches, donc dès que je vais chez ma mère ou chez mon père je leur fais écouter mes nouvelles chansons. Mais c’est une zone un peu floue, ça leur a fait bizarre.

C’est quelque chose d’assez émouvant je trouve, de dévoiler ses ressentis à ses proches à travers des chansons, ça a dû créer certaines discussions.

Écrire cet album m’a fait comprendre que tel ou tel sujet était plus important pour moi que je ne le pensais, des choses se déliaient en moi et c’est une période pendant laquelle on communiquait de plus en plus. Je pense que ça leur a fait du bien aussi de connaître mon point de vue là où je ne m’explique pas forcément toujours très clairement. Je n’ose pas trop prendre la place dans ma famille de celle qui se plaint, je le mentionne dans le titre la Petite Dernière et je pense que ça leur fait du bien d’entendre des chansons qui certes évoquent des sujets difficiles pour eux mais qui sont quand même emplies d’amour et d’espoir sur le fait que notre famille reste unie.

Tu dirais que l’écriture a quelque chose de thérapeutique pour toi ?

Avant je disais que c’était thérapeutique et maintenant que je fais une vraie thérapie, je réalise que ce n’est pas du tout pareil. La musique est une thérapie temporaire on va dire. Elle fait sortir des choses de soi, là où effectivement beaucoup de gens n’ont même pas cette chance de pouvoir se défouler quelque part. Donc oui ça m’aidait, mais je pense que pour guérir de quelque chose,

"Il faut que les filles grandissent avec des modèles variés et non pas cette utopie qu'on leur rentre dans la tête. Réaliser que le corps parfait n'existe pas et que ce n'est pas quelque chose qui les définit, que leur physique n'est pas la chose la plus importante en soi."

Une étude récente du Centre National de la Musique démontre que les femmes sont encore largement sous-représentées dans l’industrie musicale. Est-ce que tu le ressens ?

Oui je le ressens. Mais ce n’est pas ce qui me pèse le plus dans ma vie professionnelle. Pour l’instant, j’ai eu beaucoup de chance dans mon parcours, dans les opportunités qu’on me propose et dans la façon dont je suis mise en avant par mes partenaires même lors de mon expérience en label avant. Mais oui je pense qu’on le sait toutes, on le sent toutes. Il suffit de regarder les playlists, les affiches sur les festivals, les artistes les plus streamés en France.

Tes visuels d’album, tes clips sont soigneusement travaillés. Qui les imaginent ? Y participes-tu ?

Sur ce deuxième album, j’y ai largement participé parce que j’avais ce nouveau souffle d’indépendance qui m’a donné envie de m’investir dans tout pour être sûre et certaine de n’être déçue sur aucun point vis-à-vis de la sortie de cet album. Mais évidemment ça s’est fait avec beaucoup de monde, on s’est dirigés vers des personnes qu’on a trouvées hyper compétentes. Pour les deux clips on a bossé avec une réalisatrice anglaise qui s’appelle Leanda Heler. Elle a un univers très sombre qui ressemble un peu à un cauchemar, à l’image de ce que je voulais. C’était incroyable de bosser, ne serait-ce qu’avec une artiste qui n’est pas française et qui a d’autres influences, d’autres manières de fonctionner. Il y avait une grosse équipe, je n’avais jamais fait de clips aussi produits. Quand j’écoute mes morceaux, il y a des idées qui me viennent, je crée des moodboards sur Canva, je traîne un peu sur Pinterest, je vois plein d’images qui me parlent. J’essaye d’écrire un univers et après quand on le transmet, quand ça plaît à la réalisatrice, elle écrit le clip derrière avec cette espèce de mood que je lui ai donné. Pour la pochette, je savais que je voulais un gros plan dérangeant. Ensuite, tout se dessine, c’est un mix de plusieurs personnes, de plusieurs univers c’est assez fou car les pochettes et les clips ne sont jamais comme on se les imaginent initialement, c’est-à-dire quand on imagine quelque chose dans notre tête, on est persuadés qu’on va réussir à le faire et au final ça ne le fait pas, mais il y a autre chose qui nous plaît plus et ça finit par être ça. Le parcours est marrant aussi.

Tu me parlais de la pochette que tu voulais dérangeante, on peut également parler du visuel récurrent et en gros plan de ton sourire aux lèvres et aux dents rouges sang.

Les lèvres et les dents rouges, c’est une idée de Justine ma manageuse qui était tombée sur une image sur Pinterest. J’ai mis du temps à accepter que je n’allais pas forcément être à mon avantage sur la pochette. Puis, j’ai fini par l’accepter, quand j’ai vu que ça plaisait ne serait-ce qu’à mes amis. Je me suis dit que c’était finalement mieux de ne pas avoir cette pression de la beauté sur une pochette, parce qu’une fois que c’est accepté, la question n’est plus de savoir si tu te trouves beau ou moche. Ce n’est plus le sujet.

L’Olympia à venir, c’est un peu une consécration ?

C’est la salle rêvée. Une salle que je ne pensais même pas forcément faire aussi tôt dans ma vie. Et en plus, c’est complet. Mais je pense tellement à la tournée qui arrive avant que c’est encore très flou. L’Olympia, je le vois comme le plus beau jour de ma vie. Je vais essayer de faire un spectacle vraiment à la hauteur de mon public. Au stade où j’en suis, c’est déjà énorme de faire des salles comme ça, ce sont des moments rares. C’est très particulier de réaliser qu’on aura qu’une heure trente pour profiter de ce moment, et du coup d’avoir trois dates au Trianon qui suivent quatre mois après, me soulage énormément. Je vais vraiment profiter de mon public parisien, je vais les voir plusieurs fois dans un court laps de temps, donc c’est cool.

Interview réalisée le dimanche 16 mai 2026 par Emma Schneider à l’occasion du Pelpass Festival

Crédit photos : Loana Duron et Charlotte Steppé

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